Perfil: Disturbio Caníbal +Entrevista

El artista y escritor Ángel Morales, alias Disturbio Caníbal, trabaja ilustración, diseño, tattoo y artes plásticas bajo la corriente visionaria, surrealista y psicodélica. También tiene un body art studio llamado Disturbio Studio Tattoo, con el arte llevado a la piel.

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Ángel dibuja desde el momento en el que le presentaron los lápices de colores y considera todo arte, que todos hacemos arte de maneras distintas, pero es un grupo muy cerrado quienes de verdad le ponen dedicación.

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Fundó el taller de Anatomía al Desnudo, en donde suele enseñar a dibujar principalmente bajo la técnica de grafito, sin embargo, en ocasiones suele utilizar acrílico, carboncillo, acuarela, pasteles oleo o tinta china. El asistente aprende a sensibilizar la manera de percepción, visualización y abstracción de las formas bajo ejercicios contrarreloj, se aprende sobre la composición del aparato locomotor y la perfección del ser humano.

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Entrevista: Disturbio Caníbal

¿De dónde proviene tu seudónimo Disturbio Caníbal?

El seudónimo es una mezcla de dos historias diferentes. Caníbal es la parte humorística y transparente, inclusive creo que de mi persona también; lo curioso es que no me auto nombré como tal, fueron los círculos de amigos que me rodeaban. Por otro lado, Disturbio proviene de un primer seudónimo que si había adoptado por voluntad, esa parte conocida como alter ego, donde mi energía está dedicada a disturbar todo lo que se me ponía enfrente en muchos sentidos, de mi persona y atmósfera. Al darle su lugar a la concepción desde mi perspectiva, ambas palabras conjugaban una dualidad en mí, luz y sombra. Ambas funcionales en sus casos específicos y juntas para darle creación a mis obras.

¿Cuál es el uso ancestral que se le dio al tattoo y cómo lo aplicas en la época actual? 

El uso ancestral siempre fue una marca en las personas desde lo que los regía, en su interior y su exterior, una personificación de las abstracciones del humano y el universo, cosas representativas para ciertas personas en especifico, sumamente arraigados a la concepción de estética de la región o época. Actualmente considero que son los mismos patrones pero la diferencia, sin caer en tela de juicio, es que cada quien tiene la elección de tatuar y ser tatuado independientemente de las capacidades de cada quien; a diferencia de tiempo remotos.

¿Qué te motivó a empezar el taller de Anatomía al Desnudo? 

Lo que me motivó a laborar en el proyecto de arte al desnudo es la fiel convicción de que la gente ama el cuerpo humano, y no solo en sus tiempos de madurez, si no desde que el humano comienza a formarse en el vientre, su fase terminal. Es más que obvio que ciertos parámetros de las fases físicas del humano son controversias. La mayoría ama la etapa de madurez, la belleza de la mujer y el desarrollo de sus formas entre los 19 a los 45 años, son las modelos que suelen recurrir a talleres de esta índole, donde la sexualidad, la perfección de la composición y sus capacidades de movimientos tocan temas sobre el aparato locomotor, la variante que existe entre complexiones anatómicas, volumen, dimensión y proporciones. Esto hablando técnicamente, teóricamente puedo agregar que la base del programa básico es la regla de oro: la proporción áurea.

¿Cómo te involucraste en la corriente surrealista? 

No considero involucrarme en el surrealismo, sino ser parte de él. Desde mis 2 o 3 años de edad máximo recuerdo la mayoría de mis sueños, todos los días al despertar es mi ritual, para así salir rumbo al estudio y laborar en algún cuadro, tattoo, diseño o bien organizar un proyecto; dado esto, el onirísmo que me sacia en mis piezas no son ni el 1% de lo que uno se encuentra en sueños, los mensajes, los recordatorios, el apego, etc. Así que considero que vamos bien durante el trayecto, encontrando las formas ideales para representar cada una de esas manifestaciones del inconsciente.

¿El arte oscuro, bizarro o de horror tiene una relación con tu trabajo? 

Cualquier vertiente podría estar relacionada al arte visionario, y el horror, entre otras, no es la excepción. Digamos que si fuera músico, me encantaría tocar con un instrumento siquiera la mayoría de ritmos creados por el humano, y por qué no, crear nuevos ritmos. Cabe mencionar que lo que me rige actualmente, y siempre lo hará, es la mezcla del lenguaje anatómico con cualquier otra vertiente, como abstracción, geometría, psicodelia, naturalismo, etc. Reiterando elementos como: astros, ancestros, el erotismo, los psicoactivos, medicina nativa, movimientos sociales, amor, la vida, muerte, caos, etc.

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Instagraminstagram.com/disturbiocanibal

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Perfil: Pain +Entrevista

Pain nos visita desde Costa Rica directo a Goa Gil ₂ƙ†₇: Tԋҽ Pαɾαԃιʂҽ “ΛLL И‡GĦ†▴ΛLL ÐᐂY“ para presentar algunas piezas en la galería de arte de nuestro festival y una sesión de pintura en vivo, que mejor oportunidad de acercarnos a su trabajo y visión como artista costarricense.

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Es un artista plástico visionario con influencias de arte urbano que maneja una extensa variedad de técnicas visuales como dibujo, acrílico, óleo, acuarela, mural, graffiti, digital y más.

Tiene la intención de visitar México para enriquecer su enfoque artístico a través de la escena psicodélica en nuestro país, esperamos que logre encontrar un ambiente de inclusión y armonía.

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Entrevista: Pain

¿Cómo percibes la escena del arte psicodélico y los raves en Costa Rica?

En Costa Rica todavía no existe un desarrollo en la escena del arte en general. Creo que por ser un país tan pequeño y tan caro, no existe el apoyo que quisiéramos tener; sin embargo en cuanto al arte psicodélico y visionario se ha visto un aumento en el talento y potencial, creo que tenemos buenos representantes. El rave es una escena muy reducida que no tiene muchos adeptos pero es muy latente y siempre mantiene la buena vibra.

¿Qué te llevó a interesarte por México?

México siempre me ha parecido un lugar mágico lleno de cultura y siempre lo llevo en el inconsciente. Por haber sido la capital del desarrollo mesoamericano, mantiene una influencia en todos los países centroamericanos y hay una atracción que nace en mi corazón por explorar estas antiguas tierras tan místicas y llenas de color.

¿Has participado en algún festival de Sudamérica? ¿En qué evento de la zona te gustaría involucrar tu trabajo?

Nunca he tenido la oportunidad de visitar Sudamérica pero esta entre mis planes a mediano plazo. Me gustaría participar en el Latidoamericano y en el Markahuasi Festival de Perú!

¿Cuál es tu visión del grafiti y qué lo diferencia de otras disciplinas?

El graffiti es un sentimiento de liberación y un grito del alma que busca ser escuchado y tomado en cuenta en una sociedad que no se detiene nunca para observar las cosas que realmente importan en la vida, esos pequeños detalles que llenan nuestras almas de color y vida. Actualmente vivimos tan rápido que no tenemos ni el tiempo ni el espacio para contactar con nuestro niño interior y olvidamos quienes somos, de donde venimos y cuales son nuestras aspiraciones y para mi el arte del graffiti es volver a nuestra infancia, ser niños de nuevo, mancharnos, echar a perder nuesta ropa, explorar nuestro entorno, sentir la adrenalina de hacer algo no permitido o bien visto y esperar el regaño de nuestros padres. Definitivamente se diferencia de cualquier otra disciplina artística por el solo hecho de ser ejecutada “ilegalmente” más toda la experiencia que la envuelve, los riesgos que habitan la calle y el tabú.

¿La tecnología y el arte digital han influenciado tu desarrollo como artista?

Si, definitivamente mi arte se ha visto visto influenciado por el arte digital. Actualmente tengo conocimiento en herramientas digitales creativas y aunque no produzco tanto arte digital debido a la demanda, me encantaría poder desarrollarme más en ese campo.

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También podemos esperar una aparición de Pain en Ritual 2017: The Mystical Journey para el 18, 19 y 20 de noviembre en el ★Estado de México📌.

Perfil: VJ Infante +Entrevista

El artista visual y diseñador VJ Infante es un miembro fundamental del colectivo Lisergica 25. Como especialista en el arte del VJing, los mandalas, fractales y todo tipo de visión psicodélica, se encarga de llevarnos un poco más allá de lo que pretenden los espectros de la música y las artes escénicas.
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VJ Infante
Carlos Lujan empezó a incursionar en el diseño y la fotografía en 2007, llevándolo a estudiar diseño gráfico. Su marca de comunicación visual se llama Visión Consciente, comenzó como un proyecto de ropa en el cual imprimía sus propios collages fotográficos.
Se ha dedicado a la producción de videos musicales, Live cinema y videomapping aplicando lo aprendido a lo largo de su carrera, participando en los mejores eventos y festivales como PSY Circus Festival, el ritual de Goa Gil – México, Space InvadersTime Travel Fest y muchos más.

Dentro del arte digital se desenvuelve tanto en fotografía como la foto-manipulación, usando y partiendo siempre de la realidad, su visión es llegar a las personas creando arte con el día a día y usando elementos estéticos de la cotidianidad: muebles, figuras humanas, la naturaleza, macro-fotografía, arquitectura y arte abstracto.

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Uno de sus proyectos multidisciplinarios con más ambición es sin duda este performance de videomapping coreográfico con danza contemporánea, experimental y teatral. La danzante Fabiola Mendez interactúa con animaciones y videos de folclore mexicano. En la música Gerardo Gonzalez (AIO) usó grabaciones de instrumentos autóctonos con un toque de música electrónica.

Sus temáticas abordan el auto-conocimiento, exploración, psicodelia, la interconexión de los seres vivos y su omnipotencia; expansión mental y espiritual.

Checa la entrevista con el artista visionario:

¿Cuándo conociste al colectivo Lisérgica 25?, ¿repercutió en tu trayectoria como artista visual?

En mi caso repercutió inmensamente ya que comencé mi trayectoria con el colectivo. Es una historia interesante, yo asistía a sus fiestas desde hace tiempo y conocía algunos pintores de Lisérgica quienes me pedían ayuda para decorar y colgar sus mantas. Antes yo organizaba pequeñas fiestas donde hacía mi propia decoración entre ella hilorámas geométricos, por lo cual mi amiga pintora Sandra Azul me recomendó como decorador de hilorámas y así fue como me integré hace 7 años. No paso mucho tiempo para que el colectivo se enterara de que me dedicaba a la fotografía e incursionaba en el arte digital, gracias a esto me invitaron a exponer mi primera pieza artística en una de las ediciones de Goa Gil. A partir de ese momento forme parte del departamento o área de arte en el cual estuve aproximadamente 4 años, eso me dio mucho impulsó, inspiración, experiencia y obra.

En una de las tantas exposiciones, a mi amigo VJ Baktun le gusto una de mis piezas expuestas por lo cual me planteo que hiciéramos trueque de esa obra por un curso de animación 2D, para poder animar la infinidad de obra digital que había generado en esos años, a lo cual sin pensar acepte por que ya lo traía en mente. Comenzamos con el curso que terminó en una muy buena amistad como la que tengo con el resto de los integrantes, y esto conllevó a más apoyo y enseñanza de su parte.

Finalizando esto estuve dándole a la producción de visuales un tiempo relativamente corto ya que tenía mucho material listo para animar y aproximadamente 1 año después surgió la oportunidad de mi primer set de visuales en un Space Invaders. De ahí en delante comencé a producir algunos videos musicales para Dj’s como Xikwry Neirra, Megáfono, Grim, entre otros, y a especializarme más y más hasta el punto de llegar a dominar el videomapping y convertirlo en mi especialidad y a lo que me dedico actualmente dentro y fuera del colectivo.

¿Cuál es el principal proceso creativo para tu trabajo?

El proceso creativo es distinto y experimental en cada proyecto, por lo general trato de organizar mis ideas para tener bien claro que es lo que voy a transmitir pero siempre hay variantes. Trato de aterrizar elementos estéticos a utilizar, realizo conceptualismos textuales del tema, bocetos, exploraciones y análisis de composiciones, contenidos, técnicas, etc. Todo antes de siquiera abrir alguno de mis programas de producción. Seguido de esto comienzo la parte en la cual toda la idea se va formando, puliendo y muchas veces cambia totalmente, ya que al ir explorando los software de producción surgen nuevas ideas gracias a las herramientas digitales que se usan. Antes de hacer mapping ya hacía fotografía y video por lo cual mi estilo parte mucho de la realidad, filmaciones y fotografías animadas de todo lo que podemos ver pero presentado de una forma surreal y psicodélica, combinado con animación y efectos especiales.

¿Exploras la relación entre imagen y sonido?

Naturalmente, la música siempre ha sido una influencia muy importante desde antes que hiciera arte visual, toda mi vida he sido melómano, es por eso que pronto comencé a hacer videos musicales, al principio por hobbie y para practicar con las rolas que me gustaban, después comenzaron a llegar los encargos de los artistas y bandas de distintos tipos de géneros musicales. Siempre me ha gustado tratar de representar sonidos específicos con imágenes y cuando voy a preparar un set de visuales estudio y analizo la música del Dj, cuando es una presentación con alguna banda de rock psicodélico o algo por el estilo preparo ciertos visuales para cada canción en específico y siempre utilizo las reglas de escalas y compases musicales para poder mezclar al ritmo de la música. También utilizo herramientas para generar reacciones audio rítmicas usando el micrófono de la computadora.

¿Cómo describirías ser visionario y qué efecto tiene en la percepción del arte psicodélico?

Ser visionario es ver más allá de lo que tenemos enfrente, es por eso que me gusta trabajar con imágenes de la vida real, para dar el mensaje de que hay mucho más oculto dentro de nosotros mismos y de todo los seres que nos rodean. Es comprender la inmensidad y divinidad de nuestro ser y de la vida misma. Tratar de transmitir este mensaje a la humanidad por medio de arte que va dirigido al alma. Yo creo mi arte con el corazón y el alma, el mensaje es un sentimiento puro que cualquier ser humano puede sentir y emitir.

¿En qué lugar o edificación te gustaría realizar una proyección?

En la mayor cantidad posible y en superficies inesperadas, me gusta proyectar tanto en creaciones del ser humano como arquitectura y estructuras construidas para el mapping, pinturas, esculturas, etc. Al igual que en formas orgánicas o surreales como agua, arboles, ruinas abandonadas, figura humana y danza.

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Perfil: Yoshua E.m / 7 Lunas +Entrevista

Yoshua E.m nació de una de las mentes detrás del proyecto llamado Black Dreamz. El artista chihuahuense de Darkpsy, Experimental y Drum and bass comenzó a producir música tanteando con sonidos y ambientes diferentes para encontrar el sonido psicodélico. Su primer lanzamiento salió en 2008 con Apurúami Records y a partir de ese momento decidió no parar, comenzó a producir bajo el nombre de Yoshua E.m. Sus proyectos recientes son 7 Lunas (Ambient, Downtempo) y Inugami con Sebastian.

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Yoshua es uno de los productores favoritos a las tres de la mañana en las pistas de baile de Goa Gil. Pertenece al sello estadunidense Anomalistic Records; su base en México es Twenty-five Records y también es parte del japonés irOri Music.

Su desarrollo ha sido constante sin perder raíces, experimentado con diferentes cosas intereses a lo largo del tiempo, lo cual le ha dado un sonido muy personal, claro que el aprendizaje ha marcado mucho su música. El cree que su cambio ha sido muy significativo tanto en ámbito musical como personal, distintas experiencias y vivencias fueron forjando su forma de ver el mundo y expresarse.

Aquí una entrevista que le hicimos para que conozcan un poco más de sus influencias y proyectos alternos:

¿Cuál fue tu primer acercamiento con la cultura psicodélica?

Yo vengo de una espiral de géneros musicales variados, recuerdo que antes de conocer el Psytrance escuchaba muchos géneros diferentes, aún lo hago. Siempre estuve muy interesado en el Grindcore, Goregrind, Death metal, etc.

Recuerdo que una vez un buen amigo me presento una banda llamada Libido Airbag, la cual era una mezcla muy interesante para mí, ellos combinaban el Goregrind con Industrial y Drum and bass; después de eso mi atención fue hacia la música electrónica.

Empecé escuchando lo clásico como Paranormal Attack, Sesto Sento y Skazi. Cuando un día un amigo y yo fuimos a comprar algunos discos de música Electrónica encontramos Karmageddon de Goa Gil, fue ahí cuando mi vida cambio. Aún recuerdo mi track favorito de ese álbum: Pure Evil de Matutero, ¡que track tan intenso!

¿Qué artistas consideras que fueron una influencia importante para tus proyectos actuales?

Muchísimos!, pero los que están en mi corazón son: Libido Airbag, ZIK, Xikwri Neyrra y Goa Gil. Ellos son mis más grandes influencias musicales.

¿Cómo te involucraste con el sello irOri Music?

Cooper (Priapizm) es un buen amigo, lo conocí a través de Anomalistic, después de unas cuantas charlas me comento de su label y me invito a pertenecer a el, a lo cual dije que si con mucho gusto y emoción. Estamos preparando algo en ese sello, ¡espero este listo pronto!

¿Por qué creaste el proyecto 7 Lunas?, ¿podemos esperar lanzamientos discográficos en el futuro?

7 Lunas es un proyecto muy armónico, lo hice para poder expresar los sentimientos un poco más románticos, por así decirlo. Es un proyecto con mucha nostalgia y luz, de hecho pronto saldrá un álbum de 7 Lunas en un label de India llamado Post-Modern Music PMM, actualmente esta en el proceso de masterización.

¿A qué suena tu colaboración con Sebastian en Inugami?

¡Inugami! Suena como a… una mezcla de Psytrance y pintura, jaja, no se como expresarlo. Sebastian es uno de mis mejores amigos, desafortunadamente no podemos colaborar mucho debido a otros proyectos que tenemos individualmente, ¡pero den por hecho que seguiremos creando paisajes sonoros pronto!

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